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Sapatilha para ballet em couro sintético Só Dança na cor Bege.

Point Shoes (Sapatilha de ponta)

História de Halloween no Ballet ?

Quando as pessoas pensam em balé, pensam em elegância e graça, lindos tutus e sapatos cor de rosa. No entanto, os enredos de alguns dos balés mais famosos podem rivalizar com qualquer filme de terror de Hollywood. A maioria das companhias de balé tem seu quebra-nozes no inverno e um divertido balé de histórias na primavera, mas também tem temas assustadores.

Segue a lista:

“Giselle”

Vamos começar com escolha óbvia do repertório do ballet: Giselle que é “literalmente” uma história de fantasmas. A bailarina principal que interpreta uma noiva morre por causa de um coração partido ou um ataque de coração (isso não fica muito claro na história). A personagem Giselle retorna no Ato II como um membro da corte de mulheres fantasmas desprezadas da Rainha Myrtha, chamadas Wilis. Na verdade, alguns historiadores acreditam que a frase “os willies” se origina do Wilis do ballet Giselle. A Rainha Myrtha e seu grupo de mulheres de fantasmas perseguem o Príncipe Albrecht (ex de Giselle) e tentam levá-lo a uma morte prematura. É assustador e ainda mais quando você adiciona uma iluminação azul enevoada, as árvores sombrias e o fato de que o Ato II ocorre em um cemitério, literalmente, e o resultado que temos é uma história assustadora para se contar na penumbra. Além disso, podemos mencionar quantos Wilis existem? São muitas mulheres traídas por seus amantes, namorados, noivos e maridos, talvez o verdadeiro susto em Giselle seja o patriarcado.

“Lago dos cisnes”

Apesar do tratamento com o Cisne Negro de Hollywood, o Lago dos Cisnes (o balé) é mais uma tragédia do que um suspense. Claro que nós temos um feiticeiro malvado e uma maldição, mas isso é algo bem comum nos balés da era romântica. Quando o príncipe Seigfried se apaixona pelo truque de Rothbart e trai Odette, é mais triste do que assustador. O Lago dos Cisnes ganha um ponto para a rainha dos gritos, Odile, e outro para a queda completa de um final.

“Coppelia”

Nós sabemos o que você está pensando: “Coppelia, o balé cômico? O que ele está fazendo nessa lista?” Então, O Dr. Coppelius constrói bonecas que parecem reais e quer convence-las de que elas tem vida, ao estilo do Dr. Frankenstein. Ele está totalmente preparado para sacrificar Franz, o protagonista, para isso. Uma herança para a Annabelle, temos certeza de que bonecos mal-assombrados merecem sua própria categoria de terror no Netflix. Swanhilda é basicamente a última garota do mundo do balé, e não, não aceitaremos críticas construtivas nesta análise. Ela fica para trás depois que todos os seus amigos vão enfrentar o Dr. Coppelius e salvar Franz. Colocaríamos Swanhilda na mesma categoria que Sidney Prescott de Scream e Laurie Strode de Halloween.

“Bela Adormecida”

Honestamente, Carabosse (a fada malvada residente da Bela Adormecida) é uma vilã bastante icônica. Sua música tema é intensa, sua pantomima sinistra é aterrorizante. E o seu pelotão de ratos, então? Poderoso. Mas, afinal, conhecemos o enredo da Bela Adormecida muito bem para achá-lo assustador. Além disso, todo o Ato III é uma festa.

A “Bela Adormecida” de Matthew Bourne

Esta versão é literalmente uma história diferente. Seria justo chamar Matthew Bourne de Tim Burton dos coreógrafos? Achamos que ele aceitaria essa comparação. Afinal, este é o homem que coreografou um balé Edward Mãos de Tesoura. Bourne pega o conto de fadas clássico e salpica alguns vampiros – isso era 2012, afinal, também conhecido como era de pico do Crepúsculo. Também vemos algumas fadas góticas assustadoras e um boneco de bebê Aurora verdadeiramente perturbador. A adaptação de Bourne inclina-se fortemente para os tropos do gênero vampiro, completo com um triângulo amoroso entre o amor de infância de Aurora, Leo, e Caradoc, filho da fada do mal / vampiro Carabosse. Também testemunhamos uma sequência de pesadelo quando uma Aurora sem rosto dança com os vampiros do mal e … uma cena de clube? As coisas ficam estranhas no Ato II.

“La Sylphide”

Falando de Tim Burton, La Sylphide emite algumas vibrações clássicas de Tim Burton , A noiva cadáver. O balé apresenta um jovem que se apaixona por um espírito encantado chamado sílfide. Bem quando ele está prestes a se casar com sua noiva (humana), a sílfide coloca sua aliança de casamento em seu próprio dedo e o atrai para a floresta. Este balé também apresenta um coven de bruxas, aparições fantasmagóricas e um homem que tem medo de se comprometer. Parece muito assustador para nós.

“Ritual de Primavera”

A partitura de Igor Stravinsky é intensa o suficiente por si só, mas quando você adiciona a natureza primordial da coreografia e a intensidade que ela constrói, a coisa toda parece um sacrifício pagão vindo do fundo do poço. Vaslav Nijinsky foi o coreógrafo de estreia do balé. Por causa da irregular e constante mudança do pulso da música de Stravinsky, os dançarinos (que costumam contar os passos de dança com os números) logo que se referiam à partitura musical como “uma lição de aritmética”. Uma das dançarinas disse que a coreografia moderna era fisicamente não natural e que ” Com cada salto que nós aterrissávamos era forte o suficiente para abalar todos os órgãos internos “. Durante a première, quando “a virgem sacrifical” se sacudia no palco durante a sua dança solo, com as mãos presas por suas bochechas, alguém na sacada gritou: “Chame um médico…um dentista… dois médicos!”.,

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Breakdance nas Olimpíadas 2024

Breakdance (também conhecido como breaking ou b-boying em alguns lugares) é um estilo de dança de rua, parte da cultura do hip hop criada por afro-americanos e latinos na década de 1970 em Nova Iorque, Estados Unidos, normalmente dançada ao som do hip-hop, funk ou breakbeat.

O breakdancer, breaker, b-boy, ou b-girl é o nome dado a pessoa dedicada ao breakdance e que pratica o mesmo. No inicio, o breakdance era utilizado como manifestação popular e alternativa de jovens para não entrar em gangues de rua, que tomavam Nova Iorque em meados da década de 1970. Atualmente, o breakdance é utilizado como meio de recreação ou competição no mundo.

O Comitê Olímpico Internacional (COI) confirmou a inclusão do breaking (ou breakdance) na Olimpíada de Paris (França), em 2024. A modalidade será disputada pela primeira vez e é uma das quatro adicionais às 28 tradicionais. As outras adicionais três são surfe, skate e escalada, que já integram o programa de Tóquio (Japão) 2021.

“De alguns anos para cá, o breaking vem evoluindo muito. Desde dançarinos que praticam e se dedicam muito até a galera que organiza eventos e workshops, além das empresas que investem. Isso pode melhorar ainda mais, agora, com a entrada nos Jogos”, comentou Pelezinho, um dos principais nomes brasileiros da modalidade, em comunicado à imprensa.

“As pessoas que não têm total conhecimento do que é a dança terão acesso a mais informações sobre o estilo e os movimentos. A visibilidade vai agregar em muitas coisas no futuro. O Brasil tem muita chance de medalhas, mas vai depender de como será formado o comitê e o sistema de disputas”, completou o b-boy – como são conhecidos os praticantes de breaking.

Fonte: Wikipedia, https://agenciabrasil.ebc.com.br/

O que é “sentir o chão”, e o que realmente significa para dançarinos de ballet.

Essa matéria é da Pointe Magazine, e achei bem interessante o tema para ter aqui no blog!

“Você está sentindo o chão?” Se você ganhasse dinheiro cada vez que ouvisse um professor dizer isso, você poderia comprar um novo par de sapatilhas de ponta todos os dias para o resto da vida.

Mas o que realmente significa “sentir o chão” no contexto do balé? Pointe Magazine perguntou aos especialistas “como você pode sentir o chão”, ou seja no palco, na escola, no estúdio ou em casa.

Como em qualquer relacionamento interpessoal, a sua dança interage com o solo, e dependerá da qualidade do solo para dar uma resposta positiva ou negativa.

Como disse Chrissy Ott, da Harlequin Floors, “Harlequin oferece várias opções de sistemas de piso com molas que diferem na construção, cada um criando uma sensação diferente para os dançarinos”. Pode-se esperar que cada superfície de vinil marley em que você dançará durante na sua carreira vai distinguir no amortecimento, durabilidade e “aderência” (tração). Bailarinos clássicos, especialmente as que usam ponta, tendem a preferir superfícies macias com alguma tração.

Isso quer dizer: que se você quiser sentir o chão, mesmo em um estúdio que lhe é familiar, você terá que prestar mais atenção. “Se o estúdio estúdio estiver mais quente, o chão fica mais pegajoso”, diz Jared Redick, reitor interino de dança da Escola de Artes da Universidade da Carolina do Norte em Winston-Salem, Carolina do Norte. “Quando fica mais frio, fica um pouco mais liso.” No início do seu aquecimento, preste atenção ao nível de aderência e suporte do solo. Dessa forma, você saberá se deve colocar mais ou menos força em suas posturas e poderá avaliar como pode fazer o movimento parecer mais claro ou suave.

Concentração sensorial

Como as bunheads (pessoa que se dedica ou dedicou a sua vida ao balé) sabem que ao sentir o chão, fica muito mais difícil depois calçar as botas. Shaye Firer do American Repertory Ballet em New Brunswick, New Jersey, acha que sentir o chão através das sapatilhas de ponta é realmente mais fácil quando em movimento. “Quando estou na ponta, posso sentir o chão com bastante facilidade através do box da sapatilha”, diz ela. “Quando estou de pé ou fazendo um tendu com a sapatilha de ponta, é muito mais difícil sentir o chão através das solas dos meus pés.” Se você estiver tentando se articular através das sapatilhas e sentir o chão abaixo de você, tente remover parte ou todo o acolchoamento da sapatilha de ponta. Ou siga a sugestão de Redick: dê a si mesmo exercícios extras de articulação dos pés para fazer antes do início da aula de pontas.

Estilo e Suporte

Por que os professores não param de apalpar o chão? Como Redick diz: “Quando julgo competições como o YAGP, posso ver a diferença entre os dançarinos, os que têm o entendimento de como usar o chão e os que não têm. A falta de integração cinética e coesão realmente lhe dá um pouco de ansiedade – é como se fosse um gato no piso de gelo. ”

A segunda razão pela qual os bailarinos devem se concentrar no chão é simples: segurança. Firer diz que articular cada centímetro do pé no chão e fora dele ajuda a prevenir uma série de problemas, sejam imediatos (torcer o tornozelo) ou crônicos (problemas nos joelhos, tendinite de Aquiles). Sem mencionar que “você ganha mais força nos pés e tornozelos, o que significa que você está menos sujeito a lesões”.

À medida que você aprofunda a sua conexão com o chão, você se tornar mais criterioso sobre a superfície em que está dançando. Como diz Ott, “É um equívoco comum pensar que um piso para esportes atenderá às necessidades dos dançarinos”. Mas os pisos que não são especificamente projetados para a dança tendem a ser mais difíceis e escorregadios.

Como os calçados de dança não oferecem tanto suporte quanto um calçado atlético, os dançarinos precisam de um piso que amortece ativamente, protegendo as articulações e ligamentos.

Fonte: https://pointemagazine.com

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